Mariana Yampolski

Mariana Yampolski

1924- 2002, Illinois, EUA

 

 

Mariana Yampolski nació en Estados Unidos de padres inmigrantes, Estudió Arte en la universidad de Chicago y en 1945 decidió cambiar su país de residencia por México, en dónde estudió grabado y pintura en la Escuela de la Esmeralda. A partir de 1948, después de aceptar un trabajo que incluía tomar ciertas fotografías para un libro decidió que la fotografía era el mejor medio para desarrollar su trabajo, así que se inscribe al taller que impartía en ese tiempo Lola Álvarez Bravo en la Academia de San Carlos y emprende su carrera detrás de la cámara fotográfica.

 

El trabajo de Yampolski desde el principio, es decir, desde su participación en el Taller de la Gráfica Popular, del que fue la primer mujer en formar parte, estuvo fuertemente influenciado por Alfredo Zalce, Pablo O’Higgins y Alberto Beltrán, este último su maestro y guía, no solo en las artes plásticas sino en los pueblos y comunidades de México.

 

Para Yampolski la fotografía era un medio para comunicar, de documentar y hasta de informar de mostrar de una manera más directa a los humanos que con toda dignidad viven lejos de nuestros centros urbanos. Para Mariana Yampolski era como encontrar la base en la que se fundó el país, la que explicaba porque los mexicanos actúan de una manera y no de otra en la vida cotidiana, como es que los espacios arquitectónicos nos definen, como parece que el tiempo se ha detenido y cual ha sido el papel de las mujeres en las sociedades indígenas y campesinas.

 

Las fotografías de Mariana Yampolski han sido también muy criticadas por recurrir siempre el mismo motivo; indígenas, campesinos, magueyes, casas y niños. A lo que ella declaró en varias ocasiones que hay cosas y temas que como documentalista se interesaba en preservar y cosas que como ser humano le gustaba recordar, no la pobreza o el dolor de las personas sino su verdadera existencia.

2003

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Xawery Wolski

Xawery Wolski

1960, Varsovia, Polonia

 

Xawery Wolski llegó a México en 1996 con el propósito de investigar los materiales autóctonos, desde entonces, continúa con el estudio cultural e histórico de la tierra en relación con la problemática de la aglomerada vida urbana. El artista estudió en la Academia de Bellas Artes de Varsovia, Polonia; la Academie des Beaux Arts de París, Francia; el New York Studio School of Drawing, Painting and Sculpture; la Ecole des Beaux Arts en Aix-en-Provence, Francia, y en el Institut des Hautes Etudes en Arts Plastiques de París, Francia. Y antes de venir a México estuvo estudiando otros materiales y expresiones estéticas en Perú.

Aunque la obra de Wolski es aparentemente orgánica abstracta, tiene una gran carga emotiva y una preocupación por el espíritu del hombre y la presencia de su cuerpo y su energía son una constante en su trabajo. La vida en las urbes que ha alejado al hombre en su relación con la tierra y que lo ha dejado desprotegido y en muchos casos huérfano, son parte esencial en la obra de Wolski. Así tenemos por ejemplo una de las primera piezas que realizó para la ciudad de México a la entrada de la estación del metro Zapata, donde habita un grupo numeroso de niños de la calle. El proyecto Estelas, integrado por trece esculturas de barro que sirven como soporte al calor y energía del grupo de niños que imprimieron las huellas de sus manos, brazos y cuerpos para dejar testimonio de su presencia. Para establecer un nuevo vínculo con la tierra y reafirmar su existencia.

“Todo mi trabajo tiene que ver con la figura humana, con las metáforas y transcripciones del cuerpo en el material, dado que el cuerpo es frágil y la vida en general es frágil. Creo que es algo que ocurre automáticamente”.

El uso de los materiales orgánicos tiene también un valor simbólico en el que el artista trata de transmitirnos y hacernos reconocer la importancia de la tradición y los orígenes.  ” Las influencias más directas provienen del arte del pasado que manifiesta una continuidad en el mundo en que vivimos”. Así la escultura de Wolski es también una reflexión a cerca de la historia y del tiempo no solo del hombre sino también de la tierra.

2003

Terry Winters

Terry Winters

1949, Brooklyn, EUA

 Terry Winters es uno de los artistas estadounidenses más reconocidos  por su larga trayectoria en pintura, dibujo y grabado. Winters se graduó del Pratt Institute en 1971 después de haber estudiado artes. Su influencia más directa viene del artista Brice Marden, de quien tomó el monocromatismo y las ideas minimalistas para desarrollar su trabajo pictórico, en su primera etapa de trabajo. Sin embargo la obra de Winters fue nutriéndose poco a poco de las ideas y postulados de la ciencia moderna.

 

Para este artista la ciencia es “una estructura neutral y neutralizante, que como una metáfora vacía,  puede ser cargada de la poesía que tiene lugar en el lienzo de una pintura”. Winters ha explorado durante cuatro décadas los procesos biológicos de la naturaleza, así como sus estructuras formales de línea y de color, y ha basado su trabajo en los distintos procesos del ciclo natural que se repinten en los seres vivos creando la estructura neutral a la que se refiere en la cita anterior.

 

Winters describe parte de su trabajo como histérico, pues afirma que todos los procesos biológicos son impredecibles, por lo que su obra se basa también en la cualidad del azar o lo impredecible y la incertidumbre. Sin embargo en nuevas aproximaciones a otros fenómenos como en su obra más reciente, Winters echa mano de la imaginación y de los patrones de diseño cibernéticos o mediáticos para traducir lo que desde su perspectiva puede ser el ciberespacio, o dicho de otra forma el espacio que es intangible pero existente, como aquel que ocupamos mientras sostenemos una conversación por teléfono o en un chat de internet.

 

Esta búsqueda a cerca de la estructura y forma del espacio virtual o creado ha llevado a este artista a nuevos proyectos en los que las formas arquitectónicas, los planos y en general la espacialidad son la materia prima para la obra.

 2002

Edward Weston

Edward Weston

1886-1958, Illinois, EUA

Considerado uno de los pioneros y mejores fotógrafos en Estados Unidos de la llamada “straight photography” Edward Weston marcó a muchas generaciones de jóvenes artistas que siguiendo su ejemplo han dejado que la imagen fotográfica sin manipulación de ningún tipo sea la que hable por ellos.

Weston solía decir “presentación en vez de interpretación”, para él presentación significaba el intento de ilustrar con la imagen las cosas por si mismas, mientras que la cuestión de elaborar demasiado sobre una imagen que requiriese la interpretación intelectual del espectador alejaba a la fotografía de su real posibilidad de comunicación.

Weston estudio fotografía en el Illinois College of Photography, aunque ya desde adolescente había aprendido de manera autodidacta bastantes de los secretos de la lente. Su trabajo pasó por varias etapas, de sus primeros trabajos se desprenden fotografías con una fuerte influencia pictórica de impresión suave y ciertamente tratadas en el revelado. Para 1922 en una visita a Ohio y al sistema industrial y tras las platicas con Alfred Stieglitz en Nueva York, su trabajo maduró y creció, dicen algunos, casi de un día a otro.

En 1932 Weston junto con Ansel Adams e Imogen Cunningham entre otros, fundaron el grupo f-64, que se convirtió en uno de los foros más importantes para la discusión de la straight photography o fotografía directa. Gracias a esto el trabajo de sus miembros fue difundido así como sus ideas. En 1937 Weston recibió la  beca de la fundación Guggenheim, convirtiéndose en el primer fotógrafo en recibirla. Esto le permitió trabajar durante los siguientes dos años en el proyecto en el que fotografió una gran superficie de los campos de California.

El trabajo de Weston constantemente impresiona al espectador, pues a pesar de su rigurosa composición, evoca asociaciones y memorias que pueden ser absolutamente ambivalentes.

2003

Weegee (Arthur Felling)

Weegee (Arthur Felling)

1899-1968, Zloczwe, Austria

 Weegee o “Weegee el mejor fotógrafo con el mejor nombre”, como el se autonombraba y sellaba la parte posterior de sus fotografías sensacionalistas, es efectivamente considerado una de las mayores influencias para la prensa sensacionalista.

 

 

Weegee llegó a Estados Unidos en 1910 con su familia, creció en Nueva York en muy pobres condiciones y trabajo como vendedor de dulces en la calle desde los 13 años, en dónde consiguió una cámara e hizo algunas fotografías callejeras. A los 18 años, después de muchos otros empleos y de vivir fuera de la casa paterna, Weegee tomó un trabajo como fotógrafo de pasaportas y técnico para el revelado en una agencia de fotografía para periódicos.

 

 

En 1935 Weegee emprendió su carrera como fotoperiodista independiente, gracias a varios contactos que había hecho con la policía Weegee era informado de cualquier acontecimiento, especialmente accidentes, incendios, crímenes violentos, asaltos y cualquier tipo de suceso violento. Lo que hizo que efectivamente Weegee se convirtiera en el cronista más famosos de Nueva York de esa época.

 

 

En 1938 su trabajo dio un giro y empezó a fotografiar a  personajes de la “alta sociedad” con un tono sarcástico respecto a la manera en que estos personajes vivían. En 1945 se publicó un libro con gran parte del material publicado en los periódicos Naked City, que en 1947 se convirtió en película, lo que hizo migrar a Hollywood al fotógrafo. En California  y específicamente tras los escenarios de Hollywood, Weegee compiló suficiente material como para publicar su segundo libro, Naked Hollywood. Desde 1952 hasta el año de su muerte Weegee vivió en Nueva York de hacer caricaturas políticas y de la llamada sociedad neoyorquina así como fotografías con personajes distorsionados (gracias a un caleidoscopio colocado en la lente de la cámara al que llamaba “weedgeescope”) que en un tono sarcástico pretendían ser caricaturas fotográficas de los personajes en cuestión.

 2003

Bruce Weber

Bruce Weber

1942, Pennsylvania, EUA

Bruce Weber es mejor conocido por sus desnudos masculinos y por las llamadas “physique photography”en las que el tema principal son los cuerpos semidesnudos mostrando músculos bien trabajados de modelos masculinos en los que la sensualidad del cuerpo es lo principal, Mapplethorpe además de ser considerado un buen artista es uno de las principales influencias en ambos tipos de fotografía.

 

 

Weber estudió Cine y fotografía en la Universidad de Nueva York y pasó sus primeros años haciendo fotografías de los músicos de la escena de Jazz. Durante su infancia estuvo fuertemente influenciado por las fotografías que aparecían en Vogue, al que su mamá era asidua, y a la fotografía por la gran devoción de su padre. Durante su vida de estudiante en Nueva York se presentó con Diane Arbus como fotógrafo amateur y le mostró su trabajo, Arbus lo recomendó a Lisette Model. También trabajo para fotógrafos como Richard Avedon tratando de relacionarse con los fotógrafos más importantes, pero su trabajo era muy difícil de vender. En 1974 conoció a la que más tarde sería su esposa, Nan Bush, una agente de fotógrafos que lo llevó con los editores de Vogue y su carrera en la fotografía publicitaria despego.

 

 

Las imágenes que crea Bruce Weber tanto para portadas de revista como para campañas publicitarias generalmente incluyen sujetos en posiciones que implican cierta complicidad sexual y que incluyen a espectador de una manera en la que parece que el encuentro es casual o fortuito, por lo que muchos lo han llamado voyeurista. La explotación que ha hecho de la sexualidad en cualquiera de sus implicaciones ha marcado un hito en la publicidad de los últimos veinte años, y la implicación de sexo masculino en este tipo de rol una revolución para las marcas y los anunciantes. Esta es sin duda una de las influencias más fuertes del fotógrafo en el mundo de la fotografía comercial.

2003

Albert Watson

Albert Watson

1942, Edimburgo, Escocia

 Albert Watson trabaja como fotógrafo de modas para las revistas más importantes del campo desde hace casi 30 años. Estudió diseño editorial en El Royal College de Londres y se mudó a California a principios de la década de los 70, en donde se estableció.

 

 

Watson llegó a Estados Unidos cuando el movimiento social estaba en efervescencia, sin el propósito claro de dedicarse a la fotografía para toda la vida, abrió un estudio comercial, al que empezaron a acudir grupos de rock, en busca de una propuesta diferente para sus portadas y fotografías promocionales, pronto corrió la voz del talento de Watson, quien además tiene la peculiaridad de ver solamente con un ojo.

 

 

Watson pone toda su atención en el significado de cada objeto que fotografía, es decir, cada objetivo de su lente adquiere una importancia total, pues de esta manera el espectador podrá desentrañar mucho más fácilmente la naturaleza de este. En la fotografía le interesa la calidad de la imagen así como lograr un balance entre que integre cada aspecto, tanto técnico como de contenido. Como la mayoría de los fotógrafos comerciales Watson también ha incursionado en otro tipo de fotografías, así tiene una larga serie de retratos y paisajes en los que predominan las fotos sepia y  blanco y negro.  El fotógrafo asegura que no hay una diferencia en la aproximación que el hace en estas fotografías y las de factura comercial, excepto que estas las tomó por el gusto y curiosidad de hacerlo, ya que la fotografía es el medio con el que más afinidades encuentra para trabajar.

2002